Ausstellungen

Wohl keine Kunstszene hat sich so radikal verändert wie die in Berlin. Eine neue Sammlungspräsentation im Hamburger Bahnhof zeigt jetzt, wie die Kunst nach dem Mauerfall 1989 die Stadt eroberte und veränderte – von der eingemauerten Frontstadt zur globalen Metropole. Was aber in Berlin immer schon so war, ist, dass sich hier völlig unterschiedliche künstlerische, politische und migrantische Wege kreuzen. Mit über siebzig Werken von mehr als 50 Künstler*innen, darunter Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Fotografien und Videoinstallationen, dokumentiert die Ausstellung den Mythos Berlin. Mit dabei sind Mona Hatoum, Henrike Naumann, Rirkrit Tiravanija, Katharina Sieverding, Avery Singer, Slavs and Tatars, Thomas Struth, Sung Tieu, Danh Vo und viele mehr.

Ausstellungsansicht „Tausendmal Berlin. Die Sammlung Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart“: Michel Majerus, b.o., 2000; Yarema Malashchuk & Roman Khimei, Dedicated to the Youth of the World II, 2019 (von links)
© Courtesy die Künstler*innen / Foto: Jacopo La Forgia

Die Berliner Kunstszene der 1980er-Jahre ist zurück. Im Sommer 2025 zeigte die Berlinische Galerie die Retrospektive von Käthe Kruse, Mitglied der Künstlergruppe und Band „Die Tödliche Doris”. Nun zeigt die Bremer Weserburg als erstes Museum eine ausführliche Retrospektive der gesamten Gruppe. Sie wurde im Umfeld der Punkbewegung von Wolfgang Müller und Nikolaus Utermöhlen gegründet, die damals beide noch an der Berliner Hochschule der Künste studierten. Die zwischen 1980 und 1987 mit wechselnden Mitgliedern aktive Gruppe verband Strategien von Warhols Factory mit Einflüssen von Fluxus, Punk, Wave, Concept-Art sowie anarchischem und poststrukturalistischem Denken. „Doris“ war kein Star und auch keine Einzelkünstlerin, sondern ein amöbenhaftes Netzwerk, ein avantgardistisches Meme, das Musik, Noise, Light- und Stripshows, Performances, Filme, Bücher, Gossip, Möbel, Malerei, Objektkunst, Vinyl, Mode und Hörspiele produzierte – sogar eine Bewerbung für einen Sitz im Berliner Senat. Die Bremer Ausstellung zeigt, wie bahnbrechend dieses künstlerische Werk war und warum die Gruppe noch heute einen solch legendären Ruf hat.

Die Tödliche Doris auf dem Festival der Genialen Dilletanten, West-Berlin, 1981

Früher hätte man Edvard Munch (1863–1944) als Genie in den Olymp der modernen Männer-Maler gesetzt. Doch nicht nur die berühmte britische Malerin Tracey Emin verehrt Munch, dem sie Performances, Gemälde und eine gigantische, mütterliche Skulptur vor dem Munch Museum in Oslo gewidmet hat. Er inspiriert jüngere Künstlergenerationen, die ihn mit neuen Augen sehen. Da macht es Sinn, ihn mit einer Ikone der feministischen Avantgarde zusammenzubringen: Maria Lassnig (1919–2014). Sie gilt heute als Vorläuferin radikaler körperbezogener Kunstströmungen, wie Wiener Aktionismus oder weibliche Body Art. Beide erschufen eine Malerei, die ungeheuer physisch und zugleich seelisch ist. Für beide war Malerei ein Mittel radikaler Selbstbefragung. Jetzt werden zum ersten Mal gemeinsam in „Malfluss = Lebensfluss“, einer Doppelschau mit über 180 Arbeiten zu sehen sein, darunter zahlreiche Hauptwerke, aber auch eher selten gezeigte Gemälde, Arbeiten auf Papier Filme, Fotografien und Skulptur.

Maria Lassnig (1919–2014)
Ohne Titel (Schreiende), 1981
Bleistift, Aquarell auf Papier
627 x 438 mm
Maria Lassnig Stiftung
© Maria Lassnig Stiftung / VG Bild-Kunst, Bonn 2025
Foto: Roland Krauss

Heidi Specker ist eine der bedeutendsten deutschen Fotografinnen der Gegenwart. Mit ihrem kühlen, sachlichen und zugleich poetischen Ansatz hat sie auch nachfolgende Generationen geprägt. Mit ihrer Klasse für Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig nähert sie sich nun in den Kunstsammlungen Chemnitz dem politischen und emphatischen Werk von Käthe Kollwitz an, deren Arbeiten in der Sammlung des Hauses umfassend vertreten sind. Gezeigt werden Zeichnungen sowie Radierungen, Lithografien und Holzschnitte aus den Jahren 1892 bis 1938.

Zentrale Werkgruppen wie Ein Weberaufstand, Bauernkrieg und Krieg treten neben Selbstbildnisse, Porträts von Arbeiter:innen sowie Darstellungen von Müttern und Kindern. Aktuelle Fotografien, Grafiken sowie skulpturale und filmische Installationen greifen zentrale Themen wie Selbstdarstellung, Körper und Mutterschaft sowie Krieg, Klasse, Gewalt und Protest auf und übersetzen sie in die Gegenwart.

Heidi Specker
B.F., 2016
Fotografie
Foto: Heidi Specker © Heidi Specker

Als Ise Frank 1923 den berühmten Bauhaus‑Architekten Walter Gropius heiratet, sind Wassily Kandinsky und Paul Klee ihre Trauzeugen. Für Gropius verzichtet sie auf einen eigenständigen Beruf und tritt in den Dienst des Bauhauses: als Sekretärin, Lektorin, Organisatorin und als „Partner von gleichem Rang“. Die Bauhaus‑Idee wird zu ihrem „zweiten Ich“, wie sie später sagt. Die Arbeit ihres Mannes beeinflusst sie maßgeblich; sie wirkt als Autorin und Fotografin und emigriert mit ihm in die USA. Doch für die meisten bleibt sie „Frau Bauhaus“.

Jetzt sind ihre Fotografien in einer großen Ausstellung zu sehen, die zeigt, wie kühn und avantgardistisch die Bauhaus‑Frauen fotografierten und was für Pionierinnen sie waren. Mit über 300 Fotografien aus dem Sammlungsbestand des Bauhaus‑Archivs dokumentiert die Schau erstmals umfassend die Bedeutung dieser Künstlerinnen und ihres fotografischen Werkes. Das Spektrum reicht dabei von gegenständlichen Porträts und Architekturfotografien bis hin zur abstrakten, experimentellen Fotografie. Vertreten sind prominente Positionen wie Marianne Brandt sowie zahlreiche Fotografinnen, deren Werke ikonisch wurden, die selbst jedoch in Vergessenheit geraten sind.

„Written Art“ überschreitet die Grenzen von Schrift und Bild. „Written Art“ bezeichnet Skulpturen oder Raumarbeiten, die wie Texte „gelesen“ oder wahrgenommen werden können und in denen wir verborgene Strukturen, Zeichen und politische Kommentare entdecken. Eine neue Ausstellung im PalaisPopulaire vereint Werke aus der Written Art Collection, der wohl umfangreichsten Sammlung von moderner Schriftkunst nach 1945, mit Arbeiten aus der Sammlung Deutsche Bank. Die Ausstellung präsentiert rund 30 Künstler:innen aus Europa, den USA, dem Nahen Osten, Japan und China.

Das Spektrum reicht von Kalligrafie gestischen und poetischen bis hin zu politischen und konzeptionellen Arbeiten. Viele Künstler:innen nutzen dabei Formen der Schriftkunst, um über Gewalt, Krieg, Migration und Kolonialismus nachzudenken. Es gibt fantastische Entdeckungen zu machen, wie Shiryû Morita (1912–1998) Er war ein Meister der modernen japanischen Kalligrafie und prägte die westliche Nachkriegsabstraktion. Mit dabei sind prominente Positionen wie Etel Adnan, Natalie Czech, Jenny Holzer, Rebecca Horn, William Kentridge, Shirin Neshat, Slavs and Tatars, Lawrence Weiner.

Etel Adnan
The Linden Tree Poems, 2019
© VG Bild-Kunst, Bonn 2026. Courtesy the Artist and Sfeir-Semler Gallery

Die Wahl- Berliner Michael Elmgreen und Ingmar Dragset arbeiten seit Mitte der 1990er‑Jahre zusammen und zählen zu den einflussreichsten queeren Künstlern der Gegenwart. Die beiden sind im weitesten Sinne Bildhauer, arbeiten aber ebenso mit Installation, Performance und Architektur. „Queer“ bedeutet hier auch, dass sie sich mit ihrer Kunst und ihren Interventionen immer wieder querstellen, den historischen und politischen Kontext von Orten und Institutionen thematisieren und diese oft mit Humor kritisch hinterfragen. Das tun sie nun auch im Städel mit „Stillleben mit Gemüse“.

Die Besucher stoßen an unerwarteten Stellen auf Skulpturen und Installationen von Elmgreen & Dragset, die mit der Architektur und der über 700 Jahre umfassenden Sammlung des Städel Museums interagieren. Dabei werden die Konventionen des Kunstbetrachtens, des Sammelns und Repräsentierens kräftig aufgerüttelt und der Blick auf oft übersehene Details gelenkt. Man kann sich dabei auf eine Art Schatzsuche begeben: Zwei große Installationen in der Sammlung Gegenwartskunst bilden den Kern der Präsentation, die sich mit Skulpturen und Interventionen der Künstler durch das gesamte Haus bis in die benachbarte Liebieghaus Skulpturensammlung entfaltet.

Foto: Studio Elmgreen & Dragset
© VG Bild-Kunst, Bonn 2025

KI ist in Politik und Wirtschaft ein Dauerthema. Und natürlich auch in der Kunst. Wie wird KI die Kunstproduktion verändern – die Art und Weise, wie Bilder beschrieben, betrachtet, erzeugt und verbreitet werden? Was ist die Rolle von Künstler*innen im KI-Zeitalter? Nachdem das New Museum in New York dieser Frage im Frühjahr eine Riesenausstellung gewidmet hat, zieht jetzt die Schirn mit einer ähnlich groß angelegten Schau nach. Die Themenausstellung bespielt beide Ausstellungsflächen der Schirn und zeigt rund 40 Werke aus den letzten zehn Jahren bis zur Gegenwart, u. a. Videoinstallationen, Grafiken, Skulpturen und Fotografien, darunter mehrere eigens für die Ausstellung konzipierte Neuproduktionen. Die Schirn präsentiert rund 30 internationale Künstler*innen, darunter Nora AlBadri, Nouf Aljowaysir, Julian Charrière, Grégory Chatonsky, Kate Crawford & Vladan Joler, Holly Herndon & Mat Dryhurst, Agnieszka Kurant, Trevor Paglen und Hito Steyerl.

Holly Herndon & Mat Dryhurst, xhairymutantx, 2024–2025, Video aus Bildern, die von einem individuell
angepassten KI-Modell generiert wurden, Prompter und interaktives Video
© Holly Herndon & Mat Dryhurst

In Zeiten, in denen Egoismus und das Recht des Stärkeren immer mehr in den Vordergrund rücken, dreht die Kunsthalle Bielefeld den Spieß einfach mal um. Hier geht es nämlich um das Teilen. Was ist, fragt die Ausstellung, die in Kooperation zwischen der Sammlung der Kunsthalle und der Sammlung KiCo entstand, wenn wir wirklich teilen: Ideen, Räume, Verantwortung? Dieser Gedanke passt zu der Sammlung KiCo, die 2009 von Doris Keller-Riemer und Hans-Gerd Riemer ins Leben gerufen wurde. Und zwar mit der Zielsetzung, nicht einfach nur eine private Sammlung zu sein, sondern sich in der Zusammenarbeit mit öffentlichen Museen kontinuierlich weiterzuentwickeln und auch in diesem Kontext die Ankäufe zu planen. Zuvor waren das Kunstmuseum Bonn und die Städtische Galerie im Lenbachhaus Partnermuseen, jetzt ist die Kunsthalle Bielefeld dran. Dass wir gemeinsam stark sind, sieht man auch an der fulminanten Liste der Künstler und Künstlerinnen, zu der unter anderem Georg Baselitz, Thomas Bayrle, Monica Bonvicini, Thomas Demand, Nicole Eisenman, Maria Lassnig, Charlotte Posenenske, Gerhard Richter oder Wolfgang Tillmans gehören.

Thomas Demand, Zaun, 2014, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München, Sammlung KiCo © VG Bild-Kunst, Bonn 2026

Erst im Frühjahr 2025 sorgte das Werk der türkischen Opernsängerin und Malerin Semiha Berksoy (1910–2004) im Hamburger Bahnhof in Berlin für Furore. Berksoy, die in den 1930er Jahren im nationalsozialistischen Deutschland an der Berliner Musikakademie studiert hatte und 1939 durch ihre Rolle in der Richard-Strauss-Oper „Ariadne auf Naxos“ bekannt wurde, hatte auch Malerei studiert. Doch erst lange nach ihrer Rückkehr in die Türkei wurde sie als bildende Künstlerin wahrgenommen. In den 1960er-Jahren entstanden Werke, in denen zunehmend Träume, Visionen und Gefühle in den Fokus rückten. Berksoy entwickelte einen „expressiven“, völlig eigenwilligen Stil, der die Grenzen der Malerei sprengte. Das Istanbul Modern präsentiert mit „Aria of All Colors“ nun die bislang umfassendste Ausstellung über Semiha Berksoy in der Türkei. Zugleich ist die Ausstellung eine Neuinterpretation der Berliner Schau und vereint über 200 Werke Berksoys aus den Bereichen darstellende Kunst, bildende Kunst, Kino und Literatur. „Aria of Colors“ dokumentiert die einzigartigen Verbindungen, die Berksoy zwischen Oper, Theater, Malerei und Literatur hergestellt hat. Sicher eines der Kunstereignisse des Jahres in Istanbul.

Semiha Berksoy
Feast at the Prison, 1999
Dr. Nejat F. Eczacıbaşı Foundation Collection

„Nur wenigen anderen Künstlern gelang es in den letzten Dekaden, das heutige Lebensgefühl zwischen Werbung, Unterhaltung und Onlinekultur zu beschreiben, in dem wir unsere Identitäten und Körper, unsere Welten radikaler denn je formen und repräsentieren können – aber zugleich im Strom der Algorithmen immer warenförmiger werden. Mit scharfsinnigem Witz spürt der 1982 geborene japanisch-britische Künstler Simon Fujiwara in seinen immersiven Videoarbeiten und Installationen den Abgründen des digitalen Turbokapitalismus, aber auch Momenten von Menschlichkeit und sogar Freude nach. Jetzt widmet ihm das MUDAM mit *A Whole New World* eine opulente, immersive Mid-Career-Retrospektive, die von der Szenografie und Dramaturgie von Freizeitparks inspiriert ist. Sie vereint Fujiwaras Werke zu einer Reihe seiner eigenen „Wunderwelten“. Diese entfalten sich im gesamten Museum und führen die Besuchenden durch Umgebungen, die sie verzaubern und zugleich verunsichern sollen. So trifft man auf Who the Baer (2020–laufend), Fujiwaras Cartoonfigur und Freizeitpark-Maskottchen. „Who“ besitzt keine feste Identität – weder Herkunft, Geschlecht noch sexuelle Orientierung oder Nationalität – und ist unablässig auf der Suche nach einem Bild des eigenen, wahren Ichs. Neben vielen Hauptwerken wie Joanne (2016), Fabulous Beasts (2015–2016) und The Mirror Stage (2009–2013), einem verspiegelten Lachkabinett, ist auch Hope House (2017–2020), Fujiwaras atemberaubende Auseinandersetzung mit der Geschichte von Anne Frank, zu sehen.

Simon Fujiwara, Likeness, 2018
Ausstellungsansicht, Simon Fujiwara, Hope House,
Blaffer Art Museum in der University of Houston, Texas, 2020-21
Foto: Sean Fleming

Niemand hat so unerbittlich und intim über Schmerzen berichtet und gemalt wie Dame Tracey Emin, höchstens Frida Kahlo. Man kann sie in der Tradition von Munch, Schiele, aber auch von großen Poeten, Outsidern und Visionären sehen. David Bowie, mit dem sie eng befreundet war, hat über sie gesagt, sie sei wie "William Blake as a woman, written by Mike Leigh". Zugleich ist Emin, die auch in der Sammlung Deutsche Bank vertreten ist, alles andere als ein Outsider. Bereits in den 1990er-Jahren wurde sie mit „My Bed“, ihrem skandalumwitterten, für den Turner Prize nominierten, ungemachten und mit Kippen und Körperflüssigkeiten übersäten Bett, international berühmt. Emin hat nicht nur als Malerin die Welt erobert, sondern auch eine extrem schwere Krebserkrankung entgegen allen Erwartungen überlebt. In Großbritannien ist sie eine Art Nationalheiligtum und verkörpert die britische Kultur – von der Working Class bis zur Oberschicht. Jetzt wird sie mit einer gigantischen Meilenstein-Ausstellung in der Tate Modern gefeiert – ein Ereignis, das man einfach nicht verpassen darf.

Tracey Emin, The End of Love 2024. Tate © Tracey Emin

Seit mehr als zwei Jahrzehnten entwickelt der 1975 geborene Danh Vo, der als Vierjähriger mit seiner Familie von Vietnam nach Dänemark floh, eine Bildsprache, die auf Entwurzelung basiert. Der Künstler, der heute in Mexico-City und nördlich von Berlin auf seinem Güldenhof in einer Gemeinschaft von 20 Personen lebt und arbeitet, ist für seine installativen „Raumchoreografien“ berühmt, in denen er, eigene Werke, gesammelte Objekte und Arbeiten anderer Künstler vereint. Das titelgebende altgriechische Substantiv, πνεῦμα Ἔλισσα ,das ursprünglich „Hauch“ , „Atem“, oder „Wind“ bedeutet, bezeichnet das aktive, schöpferische Prinzip, das den Kosmos strukturiert. In diesem Sinne ist die Ausstellung eine Erkundung menschlicher Intimität und der Bedingungen, die das Handeln, die Resilienz und die Sinnstiftung des Einzelnen prägen. Fragmente von antiken Skulpturen, religiöse Reliquien und monumentale Fundstücke werden in einen Dialog gebracht, um zu beleuchten, wie historische Kräfte sich auf Körper, Materialien und persönliche Erzählungen auswirken.

Installation view: Danh Vo – Tropaeolum, 2023. La Bourse de Commerce, Paris. Photo: Nick Ash

„The Island“, Hito Steyerls ortsspezifisches Projekt für das Osservatorio in der Galleria Vittorio Emanuele II in Mailand, ist eine komplexe Filminstallation. Sie verknüpft unterschiedliche Erzählungen miteinander, die alle mit dem Motiv der Überschwemmung assoziiert sind und dringliche Themen wie die aktuellen autoritären Tendenzen, den Einsatz von KI, die Klimakrise und den politischen Druck auf die Wissenschaft aufgreifen. Der 26‑minütige Film, der auf der dalmatinischen Insel Korčula gedreht wurde und voller Animationen ist, bildet das Zentrum der Ausstellung und wurde eigens für Mailand realisiert. Der deutsche Schauspieler Marc Waschke, der öfter in Steyerls Filmen mitmacht, spielt einen tragikomischen Superhelden, der in einem Flash‑Gordon‑Kostüm und mit einem Star‑Wars‑Schwert die Welt retten muss. Es geht um Archäologie, Quantenphysik und Faschismus. „Und all das auf einer kleinen Insel in Dalmatien an der Adria. Alle diese Elemente knallen in dieser Installation aufeinander, die hoffentlich auch Kindern eine Freude bereitet“, sagt Steyerl. Dabei prallen auch unterschiedliche Zeiten aufeinander: eine medial verwirrte, kapitalistisch verzerrte und technologisch‑disruptive „Fake Time“ und „Deep Time“ – die Tiefenzeit des verborgenen geologischen Erfahrungsraums, eine Unterwasserzeit, die außerhalb des künstlich geschaffenen Spektrums des Menschen liegt.

The Island” by Hito Steyerl, Osservatorio Fondazione Prada, Milan. Photo: Andrea Rossetti, Courtesy Fondazione Prada

Die von Nancy Spector kuratierte Ausstellung ‚Helter Skelter‘ setzt die Werke zweier bedeutender amerikanischer Künstler, Arthur Jafa (geb. 1960) und Richard Prince (geb. 1949), in einen künstlerischen und konzeptionellen Dialog. Obwohl sie im Abstand von einem Jahrzehnt geboren wurden, teilen beide eine gewisse Ruchlosigkeit, wenn es um die Aneignung und Manipulation von Bildern geht. Die von ihnen genutzten Quellen reichen von Filmen, Pulp-Fiction und Comics über YouTube-Videos, Science-Fiction-Geschichten, Albumcover und Rock-’n’-Roll-Poster bis hin zu Erstausgaben der Beat-Literatur, Wochenschauen, Celebrity-Memorabilia oder Social-Media-Posts.

Beide Künstler setzen sich intensiv mit der amerikanischen Popkultur auseinander und legen deren Abgründe und Täuschungen offen, während sie sich zugleich vieler ihrer Mythen und Perversionen bedienen. Jafas Filmarbeiten und Installationen spiegeln seine Identität als Afroamerikaner wider und verfolgen gleichzeitig das Ziel, das schwarze Kino und die schwarze Kunst zu beleben; Princes Werke oszillieren zwischen der Kritik an weißer Männlichkeit und der Faszination für die dunklen Seiten der amerikanischen Psyche. Die Ausstellung präsentiert mehr als fünfzig Werke, darunter Fotografien, Videos, Installationen, Skulpturen und Gemälde. Darüber hinaus werden neue Arbeiten beider Künstler sowie ein gemeinsam konzipiertes Zine gezeigt.

Arthur Jafa, Mickey Mouse was a Scorpio, 2017 (detail). Private collection © Arthur Jafa / Midnight Robber © Photo: Ian Watts.TV. Richard Prince, Graduation, 2018. Collection of Larry Gagosian © Richard Prince

Rosa Barbas Werk bewegt sich zwischen Film, Skulptur und Installation, wobei die Grenzen jeweils fließend sind. Zentrale Themen sind Prozesse der Transformation, der Wahrnehmung und der Erinnerung. Dabei verknüpft sie Kunst und Wissenschaft, sowohl in ihrer filmischen Arbeit als auch in der Auseinandersetzung mit Landschaften oder sogenannten Ökologien der Zukunft. Ihre filmischen Werke beginnen oft dokumentarisch, gehen jedoch in fiktionale Sphären über. Realität wird zum erzählerischem Material, das sich ständig neu formt. Im Zentrum steht dabei stets der konkrete Ort – mitsamt seinen Spuren, Geschichten und politischen Dimensionen.

„Drawing Vocabularies“ ist Rosa Barbas erste große institutionelle Ausstellung in Portugal. Sie ist die dritte Künstlerin, der eine „Carte blanche“ angeboten wurde, um in den Nave-Raum einzugreifen und mit Werken aus der Sammlung des Centro de Arte Moderna Gulbenkian zu arbeiten. Diese spekulative Auseinandersetzung mit Geschichten, Aufbewahrungsräumen und Erinnerung unterstreicht das langjährige Interesse der Künstlerin an archivarischen Möglichkeiten und an Orten, an denen Fakt und Fiktion aufeinandertreffen, um neue Geschichten und verborgene Diskurse freizulegen.

View of the exhibition 'Rosa Barba. Frame Time Open' at MAXXI. Courtesy the artist, Esther Schipper, Vistamare, ©Andrea Rossetti

Noch bis Ende August präsentiert die Fondazione Palazzo Strozzi eine der bedeutendsten Ausstellungen, die Mark Rothko, dem Meister der US-Nachkriegsmoderne jemals in Italien gewidmet wurde. Die von Christopher Rothko und Elena Geuna kuratierte Schau wurde speziell für den Palazzo Strozzi konzipiert, um die besondere Beziehung des Künstlers zu dieser Stadt zu würdigen. Chronologisch aufgebaut, zeichnet sie Rothkos gesamte Laufbahn nach: von figurativen Werken den in 1930er und 1940er Jahren, die von Expressionismus und Surrealismus, geprägt sind, bis hin zu der transzendenten, räumlichen Farbfeldmalerei der 1950er und 1960er Jahren. Zu den Leihgebern gehören das Museum of Modern Art (MoMA) und das Metropolitan Museum of Art in New York, die Tate in London, oder das Centre Pompidou in Paris. Die Ausstellung vereint über 70 Werke, von denen viele noch nie zuvor in Italien gezeigt wurden.

Mark Rothko No.3 / No. 13 1949
The Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze
©1998 by Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko / Artist
Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome

Seit über dreißig Jahren malt Hurvin Anderson; in Großbritannien ist er so etwas wie ein Klassiker. Doch erst jetzt widmet ihm die Tate Britain die erste, wohlverdiente Retrospektive.Mit rund 80 Werken spannt die Ausstellung einen Bogen über das gesamte Schaffen des Künstlers – von seinen frühen Arbeiten bis zur Gegenwart – und umfasst unter anderem auch einen Raum mit bislang noch nie gezeigten Gemälden. Durch farbenprächtige Landschaften und Interieurs spannt Andersons Werk einen Bogen über den Atlantik, zwischen Großbritannien und der Karibik.

Andersons Eltern kommen 1961 als Teil der sogenannten Windrush-Generation von Jamaika nach Birmingham, wo sie sich ein neues Leben aufbauen. Schon als Schulkind zeichnet und malt er fast obsessiv; er studiert Kunst und beginnt in den 1990er-Jahren, nach Fotografien zu malen – Familienaufnahmen, Bilder, die er in staubigen Kisten findet. Andersons Welt ist geprägt von starken Gegensätzen, karibischer und britischer Kultur, wobei er sich nirgendwo vollkommen zu Hause fühlt. Bei einem Arbeitsaufenthalt in Trinidad empfindet er zunächst Entfremdung. In seiner virtuosen, dunstigen Malerei verlegt er häufig karibische Dschungelvegetation in britische Landschaften. Dabei reflektiert sein Werk Erfahrungen von Zugehörigkeit und Diaspora und ruft ein Gefühl hervor, das er selbst so beschreibt: „An einem Ort zu sein, aber an einen anderen zu denken.“

Hurvin Anderson,Is It OK To Be Black?,2015-16, Arts CouncilCollection, Southbank Centre, London © A 70th Anniversary Commissionfor the Arts Council Collection with New Art Exchange, Nottingham and Thomas Dane Gallery, London. © Hurvin Anderson

Sie ist eine der größten Ikonen des 20. Jahrhunderts: Frida Kahlo. Nicht nur Madonna liebt sie, sondern die ganze Welt. Diese Ausstellung beantwortet alles, was Sie jemals über Frida Kahlo wissen wollten und nie zu fragen wagten. Frida: The Making of an Icon zeichnet Kahlos außergewöhnlichen Aufstieg von einer relativ unbekannten Malerin zu einem weltweiten kulturellen Phänomen nach. Dabei untersucht die Schau, wie Kahlos Leben und Schaffen nachfolgende Generationen beeinflussten sowie Stile und Strömungen inspirierten. Zu den mehr als 30 Werken von Kahlo gehören selten gezeigte Selbstporträts, Fotografien und persönliche Gegenstände. Doch die Ausstellung geht noch einen Schritt weiter und zeigt Kahlos Werke im Dialog mit modernen und zeitgenössischen Künstlerinnen aus aller Welt, die sich von ihr inspirieren ließen. Neben einigen ihrer berühmtesten Selbstporträts sind auch Fotografien und Archivmaterial zu sehen, darunter Kahlos Tehuana-Kleider und wertvolle Schätze aus ihrer persönlichen Sammlung. Blockbuster-Feeling ist garantiert.

Frida Kahlo,Untitled [Self-portrait with thorn necklace and hummingbird]1940. Nickolas Muray Collection of Mexican Art

Harmony Korine war von Anfang an legendär. Gerade einmal 19‑jährig schrieb er das Drehbuch für Larry Clarks ‚Kids‘ (1995), einen schonungslosen, grandiosen Film über die Skater‑ und Jugendkultur im New York der 1990er‑Jahre – über Drogen, Sex, Aids und Depression. Korine wusste, worüber er schrieb. Die minderjährigen Darsteller, darunter Chloë Sevigny, waren Laien und authentische „Kids“ und wurden auf der Straße gecastet. Der Film löste auch wegen der expliziten Szenen Skandale aus, ebenso sein eigenes Regiedebüt ‚Gummo‘ (1997).

Korine schuf anschließend weitere Filme, darunter ‚Mister Lonely‘ (2007), ‚Spring Breakers‘ (2012) und ‚The Beach Bum‘ (2019). Außerdem drehte er Musikvideos für Rihanna, Sonic Youth und Cat Power. ‚Perfect Nonsense‘ ist die erste große Museumsausstellung in den USA, die sich dem legendären und facettenreichen Werk von Korine widmet. Die Ausstellung zeichnet seinen gesamten Werdegang nach und vereint über 50 Werke, darunter Malerei, Fotografie, Collagen, Zines und Zeichnungen. Sie verortet sein Schaffen in einem breiten Kontinuum der Bildproduktion, das die Grenzen zwischen Kino, zeitgenössischer Kunst und Popkultur aufhebt.

Harmony Korine, Shirley’s Temple, 2016.

Craig Robins Collection.

Der aus Louisiana stammende Robert Gordy (1933–1986) war ein einzigartiges Phänomen, eine Art Solitär in der US‑Malerei. Seine grafisch‑eleganten, oft ornamentalen Gemälde erinnern an Art Deco und Surrealismus, nehmen aber bereits in den 1960er‑Jahren die postmoderne Malerei vorweg. Häufig wurden sie auch dem sogenannten „Pattern & Decoration Movement“ der 1970er Jahre zugerechnet. Die Bewegung setzte sich aus Künstlerinnen und einigen Künstlern zusammen, die zuvor in den abstrakten Kunstströmungen der 1960er Jahre aktiv gewesen waren. Sie reagierte auf den westlich und männlich geprägten Kanon der Moderne und Nachkriegsmoderne, der zu einer Marginalisierung nicht‑westlicher und femininer Kunst‑ und Kunsthandwerksformen geführt hatte. Die oft feministisch engagierten Künstlerinnen wollten das Interesse an „minderwertigen“ oder als trivial empfundenen Formen, Mustern und Dekoren wiederbeleben.

Gordy bestand allerdings auf Unabhängigkeit und sagte, er ziehe es vor, „außerhalb des Mainstreams“ zu arbeiten. In den 1970er und 1980er Jahren war er für seine meisterhaften Kompositionen sowie für das raffinierte Zusammenspiel von Raum, Linie und Farbe bekannt, nahm an der Whitney‑Biennale und anderen großen Ausstellungen teil, und das New Yorker PS1 widmete ihm eine Einzelausstellung. Obwohl er heute vor allem für seine Druckgrafiken und späten Monotypien bekannt ist, arbeitete er im Laufe seiner Karriere mit einer Vielzahl von Medien.
Diese Ausstellung, die erste umfassende Präsentation des Werks des Künstlers im New Orleans Museum of Art seit über vier Jahrzehnten, zeigt eine Auswahl aus Gordys Schaffen von den 1950er Jahren bis zu seinem frühen Tod durch AIDS im Jahr 1986.

Robert Gordy, Rimbaud’s Dream #2, 1971
New Orleans Museum of Art

Kenzi Shiokava wurde 1938 als Kind japanischer Eltern in Brasilien geboren und zog 1964, als der Militärputsch begann, nach Los Angeles. 50 Jahre lang drehte sich sein bildhauerisches Schaffen um die Wiederverwertung und Umgestaltung ausrangierter Materialien. Sein Atelier, ein ehemaliges Lagerhaus in Compton, das selbst schon ein Gesamtkunstwerk war, quoll über vor Fundstücken und Materialien, die er in Secondhandläden, auf der Straße oder am Strand sammelte. Darunter waren auch Telefonmasten, Treibholz und Plastikfiguren, die er in hölzerne Totems und Assemblagen transformierte. Shiokavas reduzierte Werke haben eine minimalistisch-meditative Ausstrahlung und bringen das zum Vorschein, was er als „innere Bewegung“ bezeichnete, die er in alltäglichen Gegenständen fand.

Die Schau im MCA ist seine erste institutionelle Einzelausstellung überhaupt und vereint rund 50 Skulpturen von den 1970er-Jahren bis in die 2010er-Jahre. Im Mittelpunkt der Präsentation stehen abstrakte, akribisch aus Holz geschnitzte Totems und rätselhafte Kasteninstallationen, die den transkulturellen Charakter von Shiokavas Arbeit unterstreichen, in der sich Einflüsse von Candomblé, Katholizismus und Zen-Buddhismus vereinen.

Installation view,Made in L.A. 2016: a, the, though, only, June 12–August 28, 2016, HammerMuseum, Los Angeles. Photo: Brian Forres

Ron Mueck’s sculptures are incredibly physical yet transcendent. He creates figures from fiberglass and polymer — often on a colossal scale or in captivatingly intimate situations — that appear lifelike yet always have a disturbingly surreal quality. Mueck’s works possess a mysterious presence that challenges our relationship with our bodies and our existence. This exhibition continues the long-standing collaboration between the UK-based artist and the Fondation Cartier pour l’art contemporain. First presented in Paris in 2023, it was subsequently shown in Milan and Seoul before making its way to the Mori Art Museum. It features eleven pieces that trace Mueck’s development from his early masterpieces to his more recent works. The exhibition focuses on significant pieces, such as the large-scale installation Mass (2016–2017), which consists of gigantic human skulls stacked on top of one another. Six of these iconic pieces, including the early masterpiece Angel (1997), are being shown in Japan for the first time.

Ron Mueck, Mass, 2016-2017
Installation view: Ron Mueck, National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul, 2025
Photo: Nam Kiyong
Courtesy: Fondation Cartier pour l’art contemporain, National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea

Der isländische Performancekünstler und Maler Ragnar Kjartansson stammt aus einer Familie von Künstlern, Autoren, Theaterfachleuten und Darstellern. Seine perfekt inszenierten Videoarbeiten gleichen Mini-Dramen oder Balladen über das Leben. Fast immer wird musiziert und über existenzielle Dinge gesungen: über Liebe, Scheitern und Trennung – mit einem Augenzwinkern, aber auch mit Tränen. 2013 ließ er für „A Lot of Sorrow“ die Band The National in einer Ausdauerperformance vor dem New Yorker PS1 sechs Stunden lang ihren Hit „Sorrow“ spielen.

Kjartanssons Filme zitieren eine Vielzahl stilistischer Einflüsse: von choreografierten Musikvideos und Live-Musikdarbietungen über amerikanische Videokunst der 1970er-Jahre bis hin zu Bühnentraditionen wie Oper und Ballett. Dabei übernimmt er selbst immer wieder die Hauptrolle – als Singer-Songwriter, Rokoko-Dandy, Rock ’n’ Roller oder Troubadour, wie in seinem jüngsten Werk „Sunday Without Love“ (2025). Das Setting erinnert an Georges Seurats neoimpressionistisches Gemälde „Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte“ (1884–86); die Akteure sind in bäuerliche Tracht gekleidet. Kjartansson singt darin eine eigene Version von „Ohne Liebe leben lernen“, einem 1996 entstandenen Klassiker des Hamburger Punk-Idols Rocko Schamoni. In dem Video „Me and My Mother“ bittet er seine Mutter, die Schauspielerin Guðrún Ásmundsdóttir, ihm wiederholt ins Gesicht zu spucken. Sie erfüllt diese Aufgabe so, wie man es sich nur von einer Mutter vorstellen kann, die fest an die künstlerische Vision ihres Kindes glaubt. Mit acht Videoinstallationen garantiert die Ausstellung eine emotionale Achterbahnfahrt.

Ragnar Kjartansson, Sunday without Love, 2025

Single Channel Video, Sound
Courtesy of the artist, i8 Gallery Reykjavik and Luring Augustine, New York